El talento y la innovación han sido los protagonistas del Desfile/Showroom 2024 de la universidad CENTRO, un evento que ha puesto en evidencia el potencial de lxs alumnxs de la institución, reconocida por sus programas educativos en áreas de diseño, cine y televisión.
Las modernas instalaciones de la universidad han reunido a familiares, amistades, medios de comunicación y personalidades de la moda para dar paso a la esperada pasarela, la cual exhibió el trabajo de ocho mentes creativas de CENTRO que egresan de la licenciatura en Diseño Textil y Moda. Adicionalmente, la agenda ha dado pie a un showroom, donde se presentaron propuestas de la Especialidad en Diseño de Joyería Contemporánea.
En esta ocasión tuvimos la oportunidad de conversar con lxs expositores del desfile, quienes entre el ajetreo del backstage, nos regalaron unos minutos para compartirnos más detalles acerca de sus colecciones de tesis.
“El Cuerpo Habla” por Arantxa Iragorri
La somatización es el concepto central de la propuesta de Arantxa Iragorri, quien a través de cada pieza, ha buscado reflejar cómo la mente y el cuerpo tienen la capacidad de transformar los síntomas emocionales en síntomas físicos.
«Me inspiro directamente en un libro que se llama Las 5 heridas que impiden ser uno mismo, que es un libro que escribió la psicoanalista Lise Bourbeau. Lo que más me impacta de estas heridas es que cada una tiene su manifestación física… corporal» Nos comparte la diseñadora, quien asegura haberse enamorado del mundo detrás del concepto de somatización.
Es así que la tesis busca traducir la complejidad del lenguaje corporal desde la interpretación de la propia Arantxa, quien hizo uso de latex, arena y otros materiales para llevar a cabo una experimentación textill, dando como resultado acabados únicos que se reflejan en las piezas finales.
“Heaven & Hell” por Isabel Gerritsen
Haciendo alusión a su nombre, Heaven & Hell aborda la dualidad que se ha planteado a lo largo de la historia en torno a lo bueno y lo malo, pero dándole un giro para mostrarnos que hay más allá de estos dos extremos. «Mi tesis va mucho de… no solo es bueno y malo, son los dos, son multiplicidades«.
Al igual que en el ying y el yang, el proyecto busca reflejar que hay un poco de bueno en lo malo y viceversa. La paleta de colores ha sido clave para retratar este concepto, apostando por el blanco y el negro para transmitirlo a los espectadores.
«Usé muchas plumas, usé tul, usé mucha bisutería porque me interesa mucho el bordado y la costura a mano, muchos drapeados y, en general, mucha experimentación textil. Y también fue un proceso de… lo que estoy haciendo con la tela o el textil tiene que ver con las afecciones de las que estoy hablando».
Heaven & Hell
“TARNISHED” por Santiago Iglesias
Esta línea apuesta por un giro distintivo, basado en el universo del videojuego Elden Ring. «Siento que Elden Ring conecta mucho con sus jugadores y realmente te hace sentir ciertas emociones. Era algo que quería reflejar en mis looks de cierta manera«, menciona Santiago acerca de su fuente de inspiración.
La paleta de colores es un aspecto de suma importancia en el videojuego, por lo que el diseñador realizó una interpretación de esta en sus creaciones. Cada look resalta una tonalidad diferente, variando entre azul, rojo, negro, verde, blanco y amarillo, utilizando telas como la organza, intervenidas con herramientas como pistolas de calor y planchas.
Además, TARNISHED busca jugar con diferentes texturas y siluetas, que reflejan algunos de los elementos presentes en el juego. «Igual, inspirándome en ciertos personajes, como intentar replicar el feeling que te dan ya sea cuando peleas contra ellos o los conoces por primera vez».
“Aquí Yacen tus Monstruos” por Xime Silva
A través de esta propuesta, la diseñadora invita a la audiencia a reivindicar la imagen de los monstruos, transformándolos en figuras más amigables, divertidas y cordiales, rompiendo con las concepciones tradicionales.
«Es una historia muy larga, pero básicamente siento que los monstruos son mis amigxs. Me gustaría que ustedes los vieran no como figuras a las que hay que temer, sino verles como amigxs, como humanos o como cualquiera que te puedas encontrar en la calle», nos comparte Ximena.
El proyecto busca dar un alma a estos personajes, lo cual se refleja en el juego que se hace con tejidos como el denim, la organza y el tul. «Puse todo de mí, cada look es un monstruo, y para mí esos monstruos significan mucho. Con cada uno de ellos yo compartí una historia desde muy chiquita».
“ARCHIVO 89” por Gin Alvarado
La relación emocional que forjamos con los objetos inanimados y los amuletos, sirvió de inspiración para ARCHIVO 89, una línea que toma su nombre de las vivencias de su creadora. «Esta colección toma inspiración principalmente en la casa de mis abuelos, que cuando era niña veía como un archivo lleno de objetos maravillosos, cada uno con una historia detrás. De ahí sale el nombre de “archivo” y el número de la casa es 89».
A través de sus diseños, Gin retrató cómo los objetos se vuelven cada vez más personales a medida que adquieren historia. «Hice una asimilación entre características del objeto en diferentes fases de cómo se relaciona con nosotrxs emocionalmente, de muy poco a muchísimo. De eso hice una traducción a diferentes características textiles», comenta respecto a su trabajo.
Cada prenda evoca la visión de su creadora, quien ha asociado la parte rígida de los objetos con la sastrería y con telas más rígidas, utilizando poco color. Por otra parte, el aspecto humanizado de estos objetos se conecta con telas más fluidas y transparencias. «Se usa mucho el gris, también estuve experimentando con teñidos con óxido, así que hay una incorporación de colores inesperados que surgieron durante el proceso».
“Fragmentos de Mí” por Andrea Arnal
Fragmentos de mí
Inspirada en las vivencias femeninas a lo largo de la vida de la mujer, la cápsula retrata una visión íntima de Andrea Arnal, quien exploró sus recuerdos al momento de conceptualizarla. «Sí fue complejo, porque justo pensé: “¿Cuáles son las experiencias que me han marcado a mí, Andrea?” y fue complicado porque son muchas experiencias a lo largo de mi vida», señala a Koulture Mag.
Las piezas resaltan un estilo coquette con toques elegantes, exhibiendo looks que buscan transmitir un mensaje mucho más profundo. «Tengo un look que habla sobre la maternidad, que para mí es muy importante, por la relación con mi mamá y por otra parte porque yo siempre he querido ser mamá, pero todavía no lo soy. Entonces, implicó hablar de la maternidad desde el lado de hija y también desde el lado de querer ser madre».
Lo femenino, concepto central de la línea, se ve representado con una paleta de colores neutros, como blancos y rosas pálidos, además de materiales con mucha caída y transparencias, tal como el tul.
“Numen” por Sofía Naranjo
«Yo soy de Playa del Carmen, entonces, cuando me mudé a Ciudad de México, vi mucho el contraste en el pensamiento de las personas», comparte Sofía, quien tras observar esta situación, se dio a la tarea de investigar y encontrar el concepto de animismo, creencia religiosa que da forma a su colección.
Cada diseño busca representar una de las características principales del animismo, tal como el pragmatismo, silueta que retoma la ciudad de origen de la diseñadora, y el temor. Respecto a este último, Sofía menciona: «Los animistas dicen que los espíritus malignos tienen extremidades largas, entonces en ese look tengo unas mangas hasta el piso y una falda transparente, como para representar sensualidad».
Todos los teñidos fueron realizados a mano con café y grana cochinilla, además de jugar con las texturas y las siluetas.
“AKELARRE” por Faride Piter
AKELARRE nace con el propósito de dar voz a la sensualidad femenina y a lo místico, retomando a las brujas como las primeras feministas y a las dominatrix como las últimas. «El objetivo de AKELARRE es que, cuando alguien se ponga una prenda, se sienta sexy, se sienta empoderada, pero que también que se sienta libre».
Para su creadora, esta línea representa el proyecto más grande que ha realizado, nacido del amor por el feminismo, la magia, la astrología, el tarot y la ola de libertad sexual de las mujeres. «Soy una mujer muy intensa, me gusta muchísimo leer, aprender nuevas cosas, y me encanta conectar con mujeres… como crear esta comunidad. Y justo por eso se llama AKELARRE, porque el aquelarre es la reunión de brujas en la noche, la comunidad, la sororidad y la hermandad».
El color negro es protagonista en la tesis de Faride Piter, al igual que materiales como el cuero, que están presentes en siluetas que celebran la diversidad de cuerpos y el papel de estas mujeres en la historia.
AKELARRE
El proceso de creación de cada colección implicó una serie de retos para lxs diseñadores, quienes enfrentaron desde situaciones de organización y liderazgo frente a su equipo de costureras, hasta reflexiones más profundas sobre su trabajo y la dirección a seguir.
Sin embargo, el proyecto también trajo consigo diversos logros para este equipo de talentos, ¡y en Koulture ya estamos deseando escuchar más sobre estxs diseñadores! Estamos segurxs de que este solo es uno de los primeros pasos en lo que serán exitosas carreras en la moda.